¿Qué es la escultura?
Se conoce como escultura a el arte de modelar el barro, tallar en piedra, madera u otros materiales. Es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa creando volúmenes y conformando espacios. En la escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado. En un sentido genérico, se entiende por escultura la obra artística plástica realizada por el escultor representando en volumen, figuras de personas, animales u otros objetos de la naturaleza o el asunto y composición que el ingenio concibe. El origen de la escultura puede explicarse considerando cuán natural es en el hombre la tendencia a imitar, en volumen, las formas de la naturaleza y qué espontáneo placer experimenta el alma humana en la rítmica combinación de la línea y la masa.
Este arte ha creado en el curso de su historia, dos clases de belleza: la imitativa y la imaginativa.
Estilos Escultóricos
Cuando un artista ha logrado imprimir a sus obras, algunas características que reflejan facetas de su personalidad, aun en las diferentes formas, y estas características se mantienen a través del tiempo, en las distintas piezas logradas, puede decirse que ha concretado un estilo personal. Ese sello personal, de su intima creación, que no es imitación, y que se mantiene constante en su hacer, se llama estilo y es consecuencia de su educación, de sus posibilidades de tratar la materia de su obra, de su creatividad y también de la incidencia de la sociedad donde se desenvuelve, ambiente, influencias sociales, culturales, psicológicas.
Sin perjuicio de lo expuesto y apelando a especificaciones mas ortodoxas podemos distinguir como estilos, a los siguientes:
1.- Clásico o figurativo: Arranca en la época de los griegos, se destaca por expresar una realidad cruda y detallada, que logra belleza en las formas y trasunta poesía en su temática y expresiones. Se renueva con características similares en la época del renacimiento.
2.- Estilizado: Es una idealización de la figura, prescinde de detalles concretos pero conservando la esencia, y buscando un aire poético y etéreo, dejando espacio para que el observador ejercite su imaginación en la apreciación de la obra y su valoración. Hay a veces, elongación de las formas y supresión de detalles inoperantes.
3.- Facetado: Es un complemento del anterior. Las facetas conservan los volúmenes originales fundamentales, y con sus planos y aristas, bien orientados, otorgan fuerza a la figura, elegancia y marca los ritmos y énfasis que propone el autor.
4.- Síntesis: Hay supresión de detalles anecdóticos, son formas simples que responden a lineamientos básicos originales y tienden generalmente, mas que a la forma, a la expresión, al movimiento, al mensaje que el autor ha querido trasuntar. No están exentas de ritmo, equilibrio y originalidad.
5.- Semi Abstracto: Es una deformación voluntaria de la realidad, que responde mas que nada, a la idiosincrasia del autor, a sus vivencias, a sus emociones y su contacto con el medio social donde se desenvuelve. Esas deformaciones, no son absolutas, porque en alguna medida, permiten identificar la figura con alguna forma de la realidad.
6.- Abstracto: Es la creación de un objeto independiente, que no responde a las formas reales, sino mas bien a las inquietudes de quien las ejecuta. No tiene relación con la realidad materia, sino con lo imaginativo, lo esotérico, lo desconocido, lo surreal.
Su belleza estriba en los ritmos, en sus líneas, en sus volúmenes, en la distribución de sus vanos y en el acertado de sus formas. La imaginación del observador, es fundamental para su apreciación.
7.- Normales: Cuando las figuras respetan sus formas y proporciones aunque toleran algunas pequeñas deformaciones, especialmente en lo que hace al alargamiento o elongación de la figura.
8.- Grotesco: Cuando existe una deformación evidente de la figura y se realza alguna parte que se quiere destacar como lo mas importante del tema. Se alejan de la realidad pero suelen ser muy expresivas e interesantes.
Tecnicas de Escultura
Esculpir: Consiste en sacar partículas al bloque ya desbastado hasta obtener la figura deseada. Antiguamente la talla se efectuaba con instrumentos de hierro, que por su blandura se deterioraban pronto. En algunas esculturas aún se observa la señal de punzones y cinceles. Actualmente, además de las herramientas tradicionales, se utiliza el disco de diamante para la piedra y los discos de widia para la madera. Para reproducir, la misma medida, las formas del modelo sobre materiales como la piedra o madera se utiliza el método de sacar puntos con la ayuda del puntómetro o máquina de sacar puntos. Es un artefacto con una combinación de varillas metálicas articuladas terminada en una aguja de sección triangular afilada en punta, con el que se miden los puntos determinados en un modelo y se traspasa esta medida al material donde se hace la escultura definitiva. La aguja se desplaza por una guía para buscar la profundidad del punto y se fija con un tornillo.
Modelar: Es dar la forma deseada a una pasta, añadiendo o sacando porciones de la masa.
Arcilla: Normalmente para el trabajo de las esculturas en arcilla, muchas culturas utilizaron las mismas técnicas que para la alfarería, con rollos, placas o tubos de arcilla. También se ha utilizado la presión; la arcilla húmeda se comprime en moldes de barro previamente cocidos. Esta técnica fue empleada por los griegos ya en siglo III a. C., como se observa en unas figuras conocidas con el nombre de Tanagra.La arcilla, una vez modelada y antes de su cocción en el horno, debe mantenerse en contacto con el aire o en un ambiente seco, para su desecación para que adquiera consistencia y evitar deformaciones.
Cera: La cera se modela como material auxiliar para la realización de bocetos, estos sirven al escultor ya sea como guía para visualizar su obra final en otro material, o como matriz para el vaciado posterior en bronce. Más recientemente se ha utilizado para la creación de personajes que se exponen en numerosos museos de cera. A nivel decorativo se hacen diversos objetos como imitaciones de frutas en cera. Como en el modelado con arcilla las manos del artista son la primera herramienta a tener en cuenta, pero puede ayudarse con espátulas, rascadores y limas. Plastilina: Se modela con las manos o pequeñas espátulas, prácticamente igual que la cera, y sirve como boceto para la obra escultórica. La plastilina encuentra también un lugar destacado en animación.
Vaciar: Es obtener una forma en hueco o vacío para llenarla después con un material fundido o una pasta cualquiera y lograr la positiva. Se pueden hacer piezas de yeso, pero no son valoradas ya que el material es pobre y fácil de sufrir rupturas. Con la resina de vidrio y mezclas de polvo de mármol junto con pigmentos se pueden conseguir copias con diversos colores y texturas.
Cera perdida: El método de la cera perdida es el más extendido para los metales como el bronce, el cual se cuela dentro del molde en forma líquida y así llega a todos los rincones. Cuando se solidifica se consigue una copia completamente fiel al modelo del molde. Históricamente se conoce el uso de la fundición a la cera perdida ya en estatuas de gran tamaño desde el siglo II en Egipto y Mesopotamia y su uso sistemático desde el siglo V en Grecia. Desde entonces la escultura en bronce se ha realizado con este método ya que permite la reutilización de los moldes y por tanto la reproducción en serie de la escultura.
Cincelar: Es retocar con cincel las figuras obtenidas por el vaciado y también formar bajo relieves con el cincel en una lámina metálica.
Repujar: Es producir en una lámina de metal a fuerza de martillo sobre algún molde los relieves y los huecos necesarios para conseguir la forma que se pretende.
Estampar o troquelar es imprimir sobre una lámina de metal o de pasta un cuño o troquel con las figuras en hueco para que éstas resulten de relieve.
Soldadura eléctrica: la soldadura eléctrica se utiliza fundiendo un electrodo de hierro en las superficies que se desean unir, por obra del paso de corriente eléctrica. Se caracteriza por efectuar una unión sumamente sólida y rígida. Esto permite unir objetos de hierro diversos (chatarra, piezas preformadas mediante el repujado o la forja, etc.).
Soldadura autógena: Este tipo de soldadura permite generar una escultura por aporte, técnica similar a la que se practica con arcilla. La fortaleza de la soldadura es menor que aquella lograda por la soldadura eléctrica, pero tiene la ventaja de permitir la creación de obras más plásticas
Embutir: Es aplicar sobre un molde duro una delgada chapa de metal precioso para que a fuerza de golpes tome su forma y después, al retirar la chapa y unir sus bordes, quede una estatua u objeto artístico hueco pero con apariencia maciza. También se llama embutido e incrustado el resultado de introducir algunas piezas en las abertura o surcos practicados en otras.
Galvanoplastia: El descubrimiento de la galvanoplastia se produjo en la primera mitad del siglo XIX. Consiste en depositar por electrólisis cualquier tipo de metal sobre la superficie interior de un molde sacado en negativo de una pieza original. Al principio se utilizaron moldes de metal como buen conductor eléctrico, más adelante se utilizaron moldes de plástico resistentes a la acción química del baño electrolítico, consiguiendo que fueran conductores de electricidad cubriéndolos con polvo de grafito o cualquier otro metal que el punto de fusión fuera inferior al del metal que debía depositarse para conseguir la pieza final. Las reproducciones salen bastante baratas, pero al poder ser muy numerosas pierden un poco el valor de obra de arte, empleándose más para objetos industrializados.
Escultores Nacionales
Rebeca Matte
(*Santiago, 29 de octubre de 1875 - París, 15 de mayo de 1929)
Fue la primera mujer chilena que abraza el oficio de escultora. Fue una artista independiente que, sin embargo, coincide con la Generación Académica de fines del siglo XIX, debido a la concepción estética de su obra, el valor del tema y un gran dominio de la técnica en el uso de materiales nobles.
Bisnieta del gran humanista Andrés Bello López. Inició sus estudios de escultora en Roma, Italia. Más adelante se traslada a París e ingresa en la Academia Julien. De esta época juvenil surgieron importantes obras que destacan por su fuerte acento dramático. También durante este período contrae tuberculosis, enfermedad que le acarrearía un gran dolor. Tiempo después fue nombrada profesora de la Academia de Bellas Artes de Florencia.
Obras:
Unidos en la Gloria y en la Muerte, 1922, bronce. Museo Nacional de Bellas Artes, Chile.
Horacio, mármol. Museo Nacional de Bellas Artes, Chile.
El Eco, mármol. Museo Nacional de Bellas Artes, Chile.
Crudo Invierno, 1912, bronce. Museo Nacional de Bellas Artes, Chile.
Militza, mármol. Museo de Arte y Artesanía de Linares, Chile.
La Guerra, 1914, Palacio de la Paz de La Haya. Holanda.
Tristeza, mármol. Galeria Pitti, Florencia, Italia.
Homenaje a los Héroes de la Concepción, 1920, bronce. Avda. Libertador Bernardo O'Higgins, Santiago, Chile.
Los Aviadores, 1923, bronce. Plaza Mauá, Rio de Janeiro, Brasil.
Ulises y Calipso, 1925, mármol. Hall del Club de La Unión, Santiago, Chile.
Mi hija, mármol. Cementerio General, Santiago, Chile.
Dolor, mármol. Cementerio General, Santiago, Chile.
Ignacio Andía y Varela(*Santiago de Chile 2 de febrero de 1757 - 13 de agosto de 1822) 
Fue un escultor, dibujante y pintor chileno. Nació en el seno de una familia acomodada, hijo de padre portugués y madre chilena. Hizo sus primeros estudios en el colegio Azul de los Jesuitas y más tarde estudio teología en la Real Universidad de San Felipe. Recibió las enseñanzas del pintor jesuita Jorge Ambrosi, después abandono los estudios religiosos y empezó a trabajar en una carrera administrativa como secretario de cuatro capitanes generales. Se caso con Josefa Fernández Rebolledo Pando con quien tuvo 18 hijos. En 1778 estuvo al servicio del Gobernador Ambrosio O'Higgins desempeñándose como calígrafo y geógrafo. Recorrió en 1790 la costa de Valparaíso y junto a la comitiva del gobierno viajo a la frontera, por sus observaciones elaboro un mapa geográfico de Chile. Llego a tener el cargo de oficial mayor, secretario subrrogante de la capitanía general de Chile y escribano subrrogante del gobierno. Se le encargo la decoración de la Casa de Moneda construida por Joaquín Toesca. Esculpió los terminales de las escalinatas del palacio con piedra rosada pero su mas grande obra fue el monumental escudo de armas de España que durante el siglo XIX fue trasladado por orden del Intendente de Santiago Benjamín Vicuña Mackenna al fuerte del Cerro Santa Lucía, también realizo trabajos en la Iglesia de San José y esculpió las pilastras en las escalas del patio de los naranjos en la Casa de Moneda. También realizo el escudo de campo de la batalla de Chacabuco que fue usado como escudo nacional hasta 1834. Falleció el 13 de agosto de 1822 en Santiago.
Obras:
Escudo de Armas de España
CERRO SANTA LUCIA, SANTIAGO, CHILE
Pilastra tallada de las escalas del patio Los Naranjos
PALACIO DE LA MONEDA, SANTIAGO, CHILEEscultor Extranjero
Robert Ingersoll Aitken(*8 de mayo de 1878 – 3 de enero de 1949) Fue un escultor estadounidense. Nacido en San Francisco, Aitken estudió en el Instituto de Arte Mark Hopkins Institute of Art junto con Douglas Tilden. De 1901 a 1904 fue instructor del Instituto. En 1904 emigró a París, Francia, donde continuó sus estudios. Volvió luego a Nueva York, donde trabajó como instructor de Arte en el Art Students League of New York.
Obras:Su trabajo incluye la fuente Science y las estatuas Great Rivers del Capitolio del Estatal de Missouri, La estatua Iron Mike en la isla Parris, en Carolina del Sur, varias esculturas militares en la Academia West Point, y el Temple of Music y el Monumento Dewey en San Francisco, California. Posiblemente su obra más conocida es el frontis oeste del edificio de la Corte Suprema de los Estados Unidos 
Joseph Beuys
